Museer vil have 2 show u memez nu. De skal være forsigtige.

A. Eva og Franco Mattes, Ceiling Cat, 2016. (Eva og Franco Mattes/Postmasters Gallery and Team Gallery)

SAN FRANCISCO — I slutningen af ​​udstillingen Snap+Share vil besøgende på San Francisco Museum of Modern Art se en lille kat stirre ned på dem fra et groft skåret rektangulært hul i loftet. Dette er Ceiling Cat, et værk fra 2016 af Eva og Franco Mattes, som har brugt en taxidermi-kit til at genskabe en af ​​internettets mest populære og vedvarende memes: et billede af kattedyret ledsaget af variationer af sætningen Ceiling Cat ser på dig . . .

Det originale Ceiling Cat-meme dukkede op for mere end ti år siden, med mærket Ceiling Cat ser dig onanere. Men det har ændret sig og udviklet sig med onlinekulturens sædvanlige hurtighed. Blandt de mange gentagelser er Ceiling Cat as God the Creator, der taler i lolcat meme-oversættelsen af ​​Bibelen: At start, no has lyte. En loftskat siger, jeg kan haz lite? En lille wuz.

Ligesom flere andre værker i udstillingen gør Mattes-skulpturen fysisk til noget, der primært eksisterer i internettets vægtløse, stoffrie miljø. Den indfanger både den legende kultur, der har udviklet sig omkring at snappe og dele billeder, især memer, selvom den antyder den mørkere side af overvågning og kontrol, der ligger latent i vores sociale netværk. Det er også det vigtigste markedsføringsbillede for udstillingen, og måske et af de få fejltrin i kurationen af ​​denne ellers tankevækkende og oplysende udstilling.

leveomkostningsjustering 2021

Bare hvis du skulle savne Ceiling Cat (som er lille og over øjenhøjde), har museet en lille seddel på væggen: Se kunstværket midt i loftet i dette galleri. Fotografier er ikke kun tilladt, men opfordres. Med det bryder en smule kritisk afstand sammen, og det, der ellers blev undersøgt lidenskabsløst - hvordan vores vaner med at overføre billeder har udviklet sig i løbet af det sidste halvandet århundrede - føles pludselig mere som et spil, vi er forpligtet til at spille. Invitationen til at deltage, til at tage et billede af Ceiling Cat, føles ikke rigtig, især i betragtning af den grundlæggende spænding, der udvikler sig i dette show - mellem deltagelse og konformitet.

Men selvfølgelig ville intet museum på planeten i dag lave et show om memes og snapshots og sociale medier uden at forvente, at alle Instagram det, hashtagger det på Twitter og oversvømmer Facebook med selfies. Modstand er nyttesløs.

Andy Warhol sagde, at han ville være en maskine. Det var han ikke.

Udtænkt af Clément Chéroux, museets seniorkurator for fotografi, forbinder udstillingen vores nuværende øjeblik med en længere, mere kompliceret historie med at formidle billeder. Det begynder i det 19. århundrede, med fremkomsten af ​​postkortet, som i begyndelsen af ​​det 20. århundrede i Frankrig overvældede landets postsystem med omkring 173.000 kort, der blev sendt hver dag. I 1930'erne rejste fotografier også regelmæssigt gennem ledninger, og ledningstjenester bragte verdensnyhederne, inklusive krige, katastrofer og andre elendigheder, ind i vores stuer, idet afstand og tid kollapsede, så verden næsten øjeblikkeligt virkede tilgængelig og smertefuldt intim .

I midten af ​​det 20. århundrede gjorde farvepostkort og populær fotografering verdens turismeikoner lige så velkendte som fastfood-restauranter, der cirkulerede gennem utallige millioner af farvestrålende billeder. Og inkluderet i udstillingen er Motorola flip-telefonen, Toshiba bærbare og Casio digitalkamera, som den franske opfinder Philippe Kahn brugte til at sende, hvad der sandsynligvis er det første mobiltelefonkamerabillede til et stort netværk af mennesker. Det kornete digitale fotografi fra 1997 af hans datter, født kun få minutter tidligere, blev modtaget af et publikum på omkring 2.000 mennesker.

Hvad ændrede sig egentlig med denne revolution inden for billedfremstilling, som gjorde billeder øjeblikkeligt tilgængelige for tusinder eller nu milliarder af mennesker? På mange måder ingenting. Folk har sendt billeder med posten siden næsten fotografiets opfindelse, og vi har distribueret billeder af os selv længe før opfindelsen af ​​ordet selfie. Peter J. Cohen, en samler, der har fokuseret på snapshots og sproglige fotografier, har samlet en bred og varieret vifte af billeder, hvor folk har skrevet ordet mig ved siden af ​​et fotografi, formentlig af sig selv. Disse spænder over årtiers sort-hvid fotografering og antyder en vedvarende og ikke overraskende sammenhæng i vores forhold til fotografier: Vi bruger dem til at hævde vores eksistens, til at markere vores plads i verden. Det har ikke ændret sig, selvom midlerne til at lave og distribuere billeder har udviklet sig.

Kunstnere opdagede heller ikke ideer om sociale netværk og cirkulerende billeder med opfindelsen af ​​Facebook og andre online sociale rum. Mail art-bevægelsen, hvor kunstnere bruger posten til at skabe cirkulationsmønstre uafhængigt af traditionelle museer eller gallerier og inviterer til kollaborativ billedskabelse, går længe før vores snap-and-share-verden fra det 21. århundrede. Nogle af de mest visuelt stemningsfulde værker i showet er af den tyske kunstner Thomas Bachler, som skabte små hulkameraer i papkasser og sendte dem gennem det tyske postsystem, hvor de passivt optog spektrale og tilfældige fotografier. De er uhyggeligt smukke og ligner lidt medicinske billeder, slørede og grå med mærkelige rør og linjer og tråde af tilsyneladende organisk materiale, der løber igennem dem.

Men på andre måder er forandringen enorm og så gennemgribende, at det næsten er umuligt at gøre status over den. Erik Kessels velkendte installationsværk 24HRS in Photos er lavet af gigantiske høje af trykte fotografier, der er hentet fra 24 timers uploads på sociale medier. Det er blevet genopbygget til denne udstilling, hvilket skaber et rum fyldt med billeder, der er dyppet på gulvet og klatrer op ad væggene. Det virker i første omgang ildevarslende, en advarsel om den store syndflod af billeder, der er muliggjort af mobiltelefonkameraer og digital fotografering. Men det er også mærkværdigt charmerende, hvor fotografierne nægter at være skrald og tiltrækker ens øjne til smukke mennesker, solrige strande, børn, der leger og alt det øvrige liv, som vi aldrig holder op med at dokumentere og eksponere.

Tintoretto, genialt, innovativt og sublimt underligt

Det er ikke kun mængden af ​​billeder, der har ændret sig. Folk, især unge mennesker, taler eller samtaler nu i billeder og sender billeder i stedet for ord for at udtrykke deres tanker og følelser. Og der er en voksende bevidsthed om, hvordan vores afhængighed af smartphones bliver patologisk, en afhængighed, der spreder opmærksomheden og ødelægger vores forhold til rigtige ting og rigtige mennesker. Kunstneren Kate Hollenbach antyder de psykologiske ændringer, dette medfører i et videoværk kaldet phonelovesyoutoo, hvor hun riggede sin telefon til til at optage video af hende, når hun var i gang med den, for at tjekke mail eller surfe på nettet eller bruge dens GPS-funktion. Resultatet er en matrix af små videoer af det samme ansigt, i lyse og mørke rum, morgen, middag og nat, i sengen, på gaden, gå gennem bygninger, en selvpålagt form for omvendt overvågning. Den følelsesmæssige valens af dette gitter af billeder i rumstørrelse er nervøsitet, urolig, rastløs, urettet energi og dissonans.

hvor mange gram kratom skal jeg tage

Så er der Ceiling Cat, som kommer lige efter Hollenbachs stemningsfulde video. Det er en god samtalestarter for museumsverdenen, en måde at tænke på farerne og mulighederne i udstillinger som denne. Kunstmuseer er præcis den slags institutioner, der kan beskæftige sig med et bredt, kompliceret emne som Snap+Share, der ikke kun involverer ændringer i visuel kultur, men også sociale, teknologiske og psykologiske forandringer.

Men der er altid fare for at blive for viklet ind i emnet. Kulturinstitutioner higer efter den slags energi, der ser ud til at strømme gennem internettets kredsløb. De higer efter publikum, der er vokset op med disse systemer til billedfremstilling og distribution, og de higer efter penge fra folk, hvis formuer blev tjent i den digitale guldfeber. Der er også en tendens, ikke ualmindeligt blandt museumsprofessionelle, til at se på den verden, der udforskes i shows som Snap+Share, som fremtiden, og fordi alle ønsker at tilhøre fremtiden, er der en slags stiltiende godkendelse af teknologien, som bringer med det en implicit godkendelse af branchen bag.

Det er en lille ting, men denne udstilling ville have været stærkere, hvis den ikke havde inviteret publikum til at deltage. Ceiling Cat, som et kunstværk, er en invitation til at tænke. Men ved at invitere besøgende til at dematerialisere Ceiling Cat-skulpturen tilbage til et internetmeme, synes kuratoren at sige: Det hele var sjovt. Showets kritiske løsrivelse er erstattet med sus og fnis og feel-good vibes. Udstillingen balancerer smart historisk observation af et gammelt fænomen - vores behov for at gøre vores tilstedeværelse i verden kendt for andre - med klare observationer om, hvordan teknologien ændrer vores indre liv og vores sociale relationer. Men med Ceiling Cat og andre invitationer til at tage billeder og sende dem ud til verden bukker showet til sidst under for den magiske tænkning, hvormed vi holder vores angst for social mediekultur på afstand: Det er harmløst, hvis vi bare behandler det som en lidt ironisk nok.

Et virkelig radikalt show ville ikke slippe os fra krogen så let. Det ville have krævet, at folk efterlod impulsen til at snappe og dele længe nok til at udforske, hvad snap and share gør ved os.

Snap+Del Til og med 4. august på San Francisco Museum of Modern Art. sfmoma.org .

Robert Mapplethorpes uskyld

'Ivanka Vacuuming' kommer ind under huden på den første datter

keto vægttab haj tank

Når kunstnere fandt mening i myter og monstre