Faith Ringgold er en kunstner, en aktivist og en profet. Men det ridser kun i overfladen.

Tidlige værker #7: Fire kvinder ved et bord (1962) af Faith Ringgold. (2021 Faith Ringgold, ARS-medlem, ACA Galleries, NY)

Ingen af ​​ansigterne i Faith Ringgolds Fire kvinder ved et bord udtrykker nogen glæde. Kvinderne er samlet i et snævert rum, skyggerne falder dybt i deres hår og ansigter, og hvis de to skikkelser på hver side af bordet ser på hinanden, er det med mistænksomhed eller en mørkere antydning.

Maleriet fra 1962, et tidligt værk af den anerkendte kunstner, støder på i begyndelsen af ​​en kraftfuld oversigt over hendes karriere på Glenstone-museet. Oprindeligt præsenteret i 2019 på Serpentine Galleries i London, rejste showet til Sverige og ses her i dets eneste amerikanske spillested. At medbringe udstillinger udenfor er ikke Glenstones sædvanlige praksis, siger museumsdirektør Emily Wei Rales. Men allerede før George Floyds død sidste sommer, og den katalytiske effekt, der havde på Black Lives Matter-bevægelsen, havde Glenstone lagt planer om at være vært for showet.

At se det i dag, mens en retssag, der undersøger Floyds død, er i gang i Minneapolis, er brutalt hårdt, men også spændende. Ringgold fremstår ikke kun som en magtfuld fortaler for raceretfærdighed og kvinders ligestilling, men som en profet. Og at se et tværsnit af den 90-årige kunstners karriere efterlader en begejstret over noget andet også: sammenhængen og vedholdenheden af ​​hendes ideer, impulser og gestus, hvilket antyder en heroisk følelse af formål, et sind dedikeret til at samle ting sammen, binde dem sammen og gøre dem læselige for et så bredt publikum som muligt.

Overvej fire kvinder ved et bord. Der er en fortælling her, tilsyneladende en om lediggang, fremmedgørelse og gensidig mistillid, selvom billedet ikke gør det eksplicit. Men der er også en tendens til at forgrunde geometrier, der bærer følelsesmæssig vægt, vinklerne og buerne ved at se på eller forbi hinanden og hierarkierne af højde og placering af ansigterne inden for en begrænset ramme. Hovederne skylder Picasso noget og endnu mere til Matisses abstrakte linjer og planer, hvis grønne ansigtsskygger synes at have inspireret Ringgold til at skabe analoge blå i disse første år af hendes karriere.

Gennem hele udstillingen går denne tendens til geometri og abstraktion igen og forbinder figurativt arbejde med lejlighedsvise strejftog i ren abstraktion. Ringgold, der er opvokset i Harlem og støttede Black Power-bevægelsen i 1960'erne, huskes i den reduktive stenografi af den tilfældige museumsgænger som politisk kunstner, og en provokerende. Fremvisningen af ​​et af hendes mest afstivningsværker, American People Series #20: Die på Museum of Modern Art i New York fra 1967 både ærer og dæmper denne arv fra aktivisme: Maleriet i vægstørrelse er sidestillet med Picassos revolutionære Les Demoiselles fra 1907 d'Avignon, med den implicitte antydning af, at begge er forstyrrende, spontane og vilde i deres vedholdende udtryksfulde formål.

Wayne Thiebaud, på 100 år, maler en verden i forandring

Men det minimerer en anden kendsgerning om Ringgold, som bliver mere og mere tydelig gennem denne udstilling: de stærkt plottede og strukturerede former, der ligger til grund for ethvert maleri eller design. Hun brænder for komposition, hvilket gør det til en metafor for forståelse og derved rumme de energier, hendes kunst skildrer og anvender. Et af hendes mest kendte værker, 1967 American People #19: US Postage Stamp Commemorating the Advent of Black Power, bruger Pop Art-tropen af ​​et velkendt, dagligdags objekt, frimærket, til at skabe et gitter af ansigter, nogle sorte , de andre mest Hvide. Ordene Black Power er indskrevet diagonalt på tværs af gitteret, tydeligt læselige. Men selve gitteret er struktureret af ordene White Power, med bogstaverne udspilet og forbundet, og gengivet i hvidt, og dermed næsten umuligt at læse, medmindre du leder efter dem.

Den spøgelsesagtige, gitterlignende skrifttype giver et grundlæggende udsagn om magtstrukturernes skjulte natur, en allestedsnærværende og allestedsnærværende, der får dem til at forsvinde inden for tingenes implicitte naturlige orden. Men det minder også om et børnespil, hvor ord blev skrevet med tegn strakt lodret ud, så den eneste måde, du kunne læse dem på, var at vende papiret, så det var næsten vandret i forhold til gulvet, hvilket fik den lodret udstrakte skrifttype til at se ud. som normalt print.

Dette spil tilbyder en enkel lektion i en grundlæggende kunstnerisk færdighed, forkortelse. I Ringgolds hånd tyder det også på, at vi i det mindste mentalt bør tage hendes malerier af væggen, hvis vi vil se tingene fra en ny vinkel. Det krav bliver endnu mere eksplicit i hendes berømte quiltemalerier, hvor bogstaverne på nogle af de quiltede lærreder ruller rundt i værket geometrisk, så det nogle gange er på hovedet, eller løber op og ned ad den lodrette akse. Igen, den bedste måde at se dette på, for let at læse det, ville være at fjerne det fra væggen - hvis den slags var tilladt på et kunstmuseum.

Ringgold vendte sig til at lave sine quiltemalerier efter at have opdaget et rum med tibetanske og nepalesiske rullemalerier eller tankas fra det 15. århundrede på Rijksmuseum i Amsterdam. Malerier, der kunne rulles sammen, var nemmere at flytte og opbevare, hvilket hun fandt praktisk på det tidspunkt. Som kvindelig kunstner skal man styre sit arbejde selv, sagde hun i et interview med Hans Ulrich Olbrist offentliggjort i det kommende udstillingskatalog.

Man kunne udfylde en afhandling i god størrelse om Ringgolds quiltværker alene - hvordan de gjorde historiefortælling og hukommelse centralt i hendes arbejde, så hun kunne omgå fortællingens sædvanlige portvogtere, og hvordan de forvirrede gamle ideer om grænsen mellem kunst og håndværk, maleri og quiltning, legitime og marginaliserede udtryksformer. Det, der slår en stærkest ved at se dem igen, og så mange af dem alle på én gang, er deres intimitet. En dyd ved ting, der er meget bærbare, er, at du kan holde dem tæt på dig, og det er den kvalitet af nærhed, der er mest bevægende.

Helen Frankenthaler kom fra et privilegium. Hendes kunst oversteg det.

Blandt udstillingens højdepunkter er visningen for første gang i ét galleri af en samling af ni abstrakte værker, som Ringgold lavede i begyndelsen af ​​1980'erne, efter hendes mors død i 1981. Hun kalder disse malerier for Dah-serien, et opdigtet navn givet til dem af hendes første barnebarn, som lærte at tale på det tidspunkt. Formelt bygger de på den næsten abstrakte gengivelse af skove og grønne områder, som er set i nogle af hendes tidligere værker. Mønstret antyder også den slags camouflage, vi kunne bære, hvis vi forsøgte at forblive upåfaldende i en skov af regnbuer, sølv og guld og evige solnedgange. De antyder paradis eller glæde, måske opdagelsens begejstring, når et barn påpeger noget meningsfuldt og ganske enkelt siger det, der, ja eller dah!

Værdien af ​​denne udstilling er dens ophobning af detaljer og indsigt. Det argumenterer ikke for, at Ringgolds kunst på en eller anden måde er mere personlig og intim, end vi normalt giver den æren for, hvis bare vi kunne se forbi politikken. Det tilføjer snarere det personlige og det intime til den aktivistiske og politisk afstemte sensibilitet. Det forbinder drejningerne i hendes liv— et besøg for at se de hollandske mestre på Rijksmuseum fører til opdagelsen af ​​tanka-malerier —til hendes livslange passion for retfærdighed i verden.

Men det byder også på noget, der er let at tabe af syne, den utopiske efter af politisk kamp. Hvordan ser den bedre verden, vi søger, ud, når vi opnår den?

Dah-serien antyder, at den allerede er der, gemmer sig i almindeligt syn, ligesom de skadelige ord White Power på det frimærke-maleri, hun lavede i 1967.

Faith Ringgold åbner på Glenstone den 8. april. Yderligere information kl glenstone.org .

Phillips Collection genskaber et nyt århundrede

Donald Trump vil have et bibliotek. Han må aldrig have en.

Amazons Helix er en distraktion og en meget symbolsk.